Compagnie Matriochka

Pour nous, Casimir et Caroline n’est pas une simple chronique douce-amère, mais un drame social d’une lucidité féroce : une trajectoire tendue vers la chute. Face à un climat contemporain où les extrêmes politiques ressurgissent sur le terreau de la précarité, monter cette œuvre de 1932 résonne comme un acte d’urgence.

Pour incarner ce vertige, nous creusons un flou temporel entre les années 1930 et aujourd’hui, fusionnant l’esthétique sulfureuse du cabaret berlinois de la République de Weimar avec la brutalité d’une rave industrielle contemporaine. Sur le plateau, ce club clandestin devient à la fois une soupape de survie et un refuge politique.

La fête foraine d’origine glisse ici vers la métaphore de l’addiction et des paradis artificiels : l’ivresse chimique remplace les manèges et symbolise une jeunesse qui cherche à s’anesthésier pour supporter la violence du réel.

Visuellement, une esthétique Burlesque-Tech habille les corps. Les figures de l’oppression, du capitalisme prédateur et du fascisme rampant se dissimulent derrière des masques de corbeaux noirs — incarnations funestes du charognard, à la croisée de l’aigle impérial et des médecins de la peste qui annoncent et propagent la chute en meute. Face à eux, la figure de Juanita, érigée en présence centrale au plateau, porte un masque de lapin blanc : allégorie de l’innocence sacrifiée, du corps-cobaye marchandisé et broyé par la domination masculine et sociale.

Tout cet univers est enveloppé par une création sonore électro-organique originale, bâtie à partir de matières acoustiques d’époque retraitées par synthèse numérique. Au cœur de cette transe nocturne, le verbe d’Horváth — ses silences célèbres, sa langue cassée où affleure l’inconscient — reste notre boussole absolue. Portée par cinq interprètes polymorphes dans un jeu constant de métamorphoses physiques, cette traversée dessine un théâtre charnel et tendu où, malgré la cruauté ambiante, on tente encore de résister par la chair, la nuit et l’art.

— Adèle Gotkovsky & Hermine de La Perotière

Scénographie — Clara Hubert

L’espace scénique imaginé par Clara Hubert hybride deux époques et deux architectures nocturnes : le velours râpé d’un cabaret berlinois des années 1930 et le béton brut d’un club techno contemporain. Deux refuges souterrains qui, à un siècle d’intervalle, partagent la même vocation : offrir un espace de liberté clandestin aux marges avant que l’étau politique ne se referme.

Structuré entre un espace bar et une estrade de jeu/performance, le plateau détourne les codes de la fête foraine : d’anciens distributeurs mécaniques de confiseries deviennent les totems d’une consommation addictive où l’euphorie s’achète pour oublier le déclassement.

Dramaturgie lumineuse — Thomas Cany

La dramaturgie lumineuse conçue par Thomas Cany accompagne cette dégradation : partant des teintes chaudes, rouges et feutrées de l’illusion cabaret, la lumière bascule progressivement vers la froideur chirurgicale des néons et la pulsation agressive des stroboscopes.

La fête se referme alors comme un piège optique, où les corps dansent jusqu’à l’épuisement sous une surveillance invisible.

Création sonore et musicale — Antoine Caillon

Le son ne sert pas de simple illustration : il constitue la pulsation, l’étau et l’arête dramatique du spectacle. La fête foraine d’origine se mue ici en une transe nocturne et addictive, portée par une création sonore électro-organique originale. La partition fait s’entrechoquer deux mondes de textures :

• D’un côté, le vestige acoustique et historique : des bruits de roulements de trains lourds, grincements de manèges anciens, souffles d’accordéon et timbres d’époque portant la nostalgie et la poussière d’un monde en fin de course.
• De l’autre, la violence contemporaine : kicks massifs de rave, nappes synthétiques froides, saturation et synthèse audio numérique.

En tordant et en hybridant les instruments anciens dans les machines modernes, la matière sonore épouse les tensions du texte de Horváth, l’épuisement des corps au plateau et l’emprise invisible d’un système qui bascule.

Les Costumes — Ninon Le Chevalier

Les costumes opèrent une collision visuelle entre le cabaret weimarien et le vestiaire clubbing / rave actuel : dentelles anciennes, froufrous et résilles se frottent au cuir, au vinyle et aux peaux mises à nu. Plus qu’un habit de fête, le costume agit ici comme une carapace érotique et politique pour des corps vulnérables qui refusent de capituler.

Les Masques sculptés

Ce travail textile se prolonge dans la présence de masques sculptés :

• Masques de corbeaux (dentelle noire et cuir) — évocation hybride de l’oiseau de proie et des figures de pestilence pour les complices de l’ordre autoritaire.
• Masque de lapin immaculé — figure poétique et glaçante de la proie offerte aux regards et aux appétits des puissants, porté par Juanita.